Sofia Lenzetti

El tiempo del arte - PROA

2009-12-03T19:38:00.000-08:00

Ben Vautier

Benjamín Vautier, más conocido como BEN, es un artista plástico. Su actividad le ha llevado a ser agitador público, crítico de arte, poeta, fotógrafo, pintor, decorador y editor de libros. Para él no hay vanguardia sin novedad y no hay riqueza sin multiculturalismo. Ben propugna una máxima artística que resume la espina dorsal de su estética: la importancia de la idea de que todo arte debe significar un choque y ser nuevo.

Biografía En 1970 BEN dijo que soñaba con ser un artista sin biografía ya que éstas son siempre “ego”. Inmediatamente después, admite que esto es casi imposible, ya que el arte “è sempre ego”. Benjamín Vautier nació en Nápoles (Italia), el 18 de julio de 1935, donde pasaría los 5 primeros años de su vida. De madre occitano-irlandesa y padre suizo-francés, el artista ha vivido en Turquía, Egipto, Grecia e Italia. En 1949, Ben y su madre se mudan a Niza, ciudad donde vive y trabaja actualmente. A los 15 años empezará a trabajar en una librería (Le Nain Bleu). Allí comenzó a hojear libros de arte y decidió que “para que lo bello sea bello es imprescindible que escandalice o haya escandalizado”. Pasa el tiempo y Ben comienza a entablar amistad con diversos artistas, principalmente con los que pasarían a formar la llamada "escuela de Niza". En esos años se encontraría con Fontan, Malaval, Klein, Arman. Dejó el Nain Bleu, y abrió una pequeña papelería, después una tienda de discos de segunda mano. Un día decidió transformarla en una obra de arte, para ello, decoró la fachada sirviéndose de una inmensa acumulación de objetos heteróclitos. A partir de ahí, su biografía es inseparable de su obra. La “boutique” se convirtió en el lugar donde se daba cita la juventud que soñaba con “hacer algo nuevo”. Allí es donde Yves Klein le sugirió la idea de exponer los largos poemas en tinta china que componía. En 1959 se casó con Jacqueline Robert, una gran entusiasta del Nouveau Réalisme, Yves Klein y Duchamp. Ese año, Ben escribió una larga carta a Spoerri, que más tarde se convertiría en el primer manuscrito de su revista "Ben Dieu". En esta publicación, el artista desarrolló su teoría del Nouveau Art, enarbolando la bandera de “en el arte todo es posible”. En 1961, afirmó que se sentía muy envidioso de Manzoni quien firmaba su excrementos y le había robado su idea de las escultura vivientes. Un año después, la carta daría sus frutos, y el artista fue invitado por Spoerri a la Misfits Fair de Londres, donde dice que pasó quince días viviendo en frente de la vitrina de la Galería One. Es el momento de los “Mail Art”, en los cuales se mezclan poesía, apropiación y megalomanía. Allí se encontró con George Maciunas, que le habló de Fluxus y le invitó a unirse al grupo, famoso por sus happenings, sesiones de teatro y conciertos. Allí donde van, se rompen los pianos o las salas se llenan de papeles. Ese mismo año, en el Paseo de los Ingleses de Niza, BEN realizó su famosa performance "Regardez-moi cela suffit", logrando un éxito considerable. En 1964 va a New York para encontrarse con George Brecha, ya que estaba decepcionado por el Nouveau Réalisme, lo encontraba demasiado comercial, y prefería las ideas de Fluxus. A su vuelta fue invitado a participar en el festival de la libre expresión de Jean-Jaques Lebel. El año 1965 es el año de las “acciones callejeras”. Ben publica una revista que él llama “Todo”, distribuye unos panfletos ‘’Me gusta y ataco”. Para el artista se desvanece la frontera entre el arte y la vida. Eventualmente sigue desarrollando su idea de los poemas caligrafiados en acrílico blanco sobre negro, con elementos propios de los tebeos y el cómic. Su caligrafía simple y sus célebres mensajes cortos y directos se han convertido en su característica más significativa. Los años ochenta trajeron el minimalismo y el arte conceptual. La reacción de BEN fue la Figuración Libre, un movimiento de arte figurativo caracterizado por la ausencia del respeto a las reglas clásicas, la utilización de materiales heteróclitos y los colores discordantes En 2004 y 2005, el artista diseñó sellos postales en Francia en los que se podía leer: «Ceci est une invitation» o «Un grand merci ».

Obra Resulta imposible desligar la obra de BEN de sus frases manuscritas en letras blancas sobre fondo negro. El artista utiliza estos aforismos de manera profunda y lúdica a la vez. Sus mensajes, aparentemente inofensivos, escritos en caligrafía de colores brillantes sobre objetos o sobre fondos negros, se remiten con frecuencia, a profundas reflexiones. Para BEN, el arte no es la finalidad, sino un medio. La obra ya no es la justificación, ni la razón de ser, ni la finalidad de ninguna actividad creadora, sino que es un pretexto, un medio para explorar el inconsciente, estimular el imaginario y provocar una reacción en el espectador. ¿Qué puede entonces, convertirse en una obra de arte? Cualquier cosa. Ben Vautier declaró "auténtica obra de arte: la ausencia de arte". Este artista rechaza cualquier tipo de orden, toda regla o convención Cuenta en su haber, con numerosas esculturas, pinturas, fotografías, instalaciones, incursiones en el cine, libros, poemas, y todo ello, sin olvidar su propia personalidad, que podría ser elevada a categoría de arte. En 1960 realizó su primera exposición individual: “Rien et tout” (Todo y nada). La muestra tuvo lugar en el primer piso de su tienda y estaba inspirada en la idea de los readymades de Duchamp. Ben describió su arte como un arte de apropiación, afirmaba que el arte se encuentra en la intención y que es suficiente con firmar un objeto, todo es arte y todo es posible en el arte. Comienza a buscar sistemáticamente para firmar todo aquello que no ha sido firmado y rescata objetos inverosímiles para estampar su firma en ello. Para ilustrar esta idea, Ben llegó a decir: “Je signe donc: les trous, les boîtes mystères, les coups de pieds, Dieu, les poules, etc. " (Firmo por tanto: en los agujeros, las cajas misteriosas, los puntapiés, Dios, etc.). El artista dio por terminada la acción en 1962 declarando que no firmaría nada más. Como poeta, BEN es un beatnik rezagado. En sus versos se cuela la misma falta de convención y el mismo espíritu « naturel anti-sérieux » que en sus obras plásticas. También ha participado en la redacción de “La Clef”, un atlas etno-lingüístico.Desde su onírica y provocativa página Web, se encarga de avivar la reflexión sobre temas políticos, culturales y sociales. BEN es además, un ferviente partisano del etnismo. En España, la única serie de textos en castellano, firmados por Ben, se ha editado en La Caja Negra.

Opinión personal
Creo en la autenticidad que garantiza Vautier, como portador de status de obras de arte ambulantes. Pienso que su misión es realizar una única obra: él mismo, constantemente. Como crítica, voy a mencionar una frase que él declaró: "auténtica obra de arte la ausencia del arte". Me parece que ya sin un mundo al cual explorar, aparece la vanidad de este artista que ya no tiene nada para vivenciar fuera del vacío de sus declaraciones; el llamado nihilismo contemporáneo, donde se perdieron todas las esperanzas, pero sigue vigente la existencia de un mundo ocultado por la sombra del sujeto.

Recopilación de todos los trabajos prácticos año 2009

2009-12-03T13:44:00.000-08:00

TP N° 1 - EL LUGAR

Mi análisis con respeto a este primer trabajo es que fui muy obvia con respecto al enfoque, tanto del lugar como de la cámara. Hoy que lo pienso me hubiese gustado urguetear por otros sitios y texturas; no reniego de las fotos ya que son agradables a la vista, tienen un sepia que conjuga la composición pero sacando conclusiones, o si tendría de nuevo una consigna similar buscaría sitios menos comunes y más jugados.

TP N° 2 - EL OTRO

Éste fue uno de los pocos trabajos en el que logré sentirme orgullosa de haberlo producido, desde la composición de la banda sonora hasta la caracterización de los personajes y/o retratada. Siempre me había rondado por la cabeza la idea de una producción fotográfica ligada con el sadomasoquismo, leve, bien estudiado. Tuve la oportunidad de plasmarlo y realmente me gustó el resultado final. Sabía desde el principio lo que quería y cómo quería hacerlo también. Las cosas se fueron suscitando con bastante claridad.

TP N° 3 - LA COSA

Tuvimos muchos intentos frustrados en este proyecto; se había pensado otra idea con otra locación pero finalmente se decidió por algo más concreto. Como dije anteriormente, no se tuvo en cuenta el tema de ejes, y una tercera persona nos hubiese venido bien para observar los detalles más finos. De todos modos estoy conforme con la estética del trabajo. Se observó minuciosamente el cine de aquellos años pero lo aggiornamos a nuestro gusto. De más está decir que se pueden mejorar varias cosas. El sonido fue algo que no dábamos en la tecla; no podíamos salir de ese tema de Charleston. Como a nuestros trece, tuvimos ese metejón de querer conservarla y ya. Quizás eso también fue un punto en contra, no tener en cuenta los consejos de los profesores con respecto al sonido, probando otras variantes.

TP N° 4 - TRANSPOSICIÓN

Este proyecto fue durísimo. Nos metimos en un recurso que no estábamos tan expertas pero que queríamos arriesgar y ver qué salía. Mal no nos fue, para nuestra sorpresa. Tuvimos falencias con el chroma y los tiempos no jugaron a nuestro favor. Lo positivo que saco es el intentar expresarse de forma diferente, probar otros recursos, no irse a lo seguro.

TP N° 5 - EL VIAJE

En este trabajo, el clima no fue el mejor. Se trabajó fragmentadamente y se cambió mucho de ideas durante el transcurso del tp. Quizás porque se nos dijo que no nos beneficiaba lo que veníamos haciendo y el hecho de virar a mitad de camino puede resultar maléfico. En este caso se pudo resolver, pero si esta idea la hubiésemos planteado al principio, el resultado tal vez haya sido más fructífero. Lo que rescato es también la metodología implementada; sólo con fotografías y relato, tratando de alejarnos de la homogeneidad. Falta mejorarle algunas cuestiones técnicas y un mayor tratamiento en imágenes.

TP N° 5: VILLA FLANDRIA

2009-12-03T13:40:00.000-08:00

Investigando el lugar de destino

Villa Flandria o Jáuregui (su verdadero nombre) es una localidad de Luján que creció al amparo de la Algodonera Flandria, una industria textil que surgió en los 30 y que llegó a emplear 3000 obreros. Julio Steverlynck, su fundador, se inspiró en la encíclica Rerum Novarum para implementar derechos del trabajador que recién se legislarían en la Argentina décadas más tarde. Su filosofía sigue hasta nuestros días y se puede resumir en: "Dios, Patria, Hogar, Paz y Trabajo". En el 95 la fábrica quebró, pero el pueblo y sus instituciones se mantuvieron, como la banda de música Rerum Novarum, que siguió tocando. Hoy, la vieja Algodonera es un parque industrial pyme con más de 25 empresas donde trabajan cerca de 1000 personas. El pueblo posee también instituciones sociales, deportivas y culturales que nacieron y crecieron al amparo de la algodonera fundada por Julio Steverlynck y del desafío que implicó la apertura del Parque Industrial Villa Flandria.

Meu amigo moleskine

Conocimos al fundador de la banda Rerum Novarum "José Chiurco" quien nos abrió las puertas de su casa para contarnos su historia. Con el grupo se decidió en un momento comenzar un documental sobre su historia de vida: fue piloto de avión, cazador, trabajó en la algodonera Flandria desde sus inicios, luego abrió negocios de comercio, tuvo cuatro hijos, se casó y después de varios años decidieron, junto con su mujer Maggy separarse.

Pero nuestro tutor Gabriel Valansi, nos recomendó enfocar el proyecto hacia otro lado. Es por eso que se planteó la idea de readaptar un texto de José Sbarra que evocaba a una historia de un hombre y una mujer en una estación, combinando con la estética narrativa y visual del filme de Chris Marker "La Jetee" y una mirada altruísta sobre las obras fotográficas de Lewis Hine. El trabajo está inspirado en la época de oro de Jáuregui, donde la Algodonera Flandria albergaba más de 2000 trabajadores. Eran tiempos de inmigración y reun ificación. Dos inmigrantes de ese pueblo guardan un secreto mutuo. Ambos sienten que su amor para con el otro no es correspondido, y comienzan a plantearse situaciones generadas por su inconsciente colectivo. La historia conjuga pasiones, ilusiones y temores. Hay un narrador omnisicente relatando en francés, subtitulado en español recreando el clima del film ya mencionado.

Aquí algunas fotos del TP.

Hubo un par de problemas en el grupo que opacaron lo que podría haber sido un muy buen trabajo. No obstante se cooperó entre todas, algunas más, otras menos, para que se haya podido realizar la entrega debidamente a tiempo. Al ir a contrareloj, no se pudo observar detalles. Eso nos jugó en contra. De los errores se aprende no? Quiero agradecer públicamente a Carolina Surijon, Alejandro Martínez, Guillermo Leroy, Carlos Di forte y Don Pedro (no el postre eh!) por haber colaborado en este proyecto. Mis más profundos agradecimientos a todos ellos.

Entrega Final - Ville Flandria

TP Nº 4 TRANSPOSICIÓN

2009-12-02T23:38:00.000-08:00

El artista elegido para transponer es Matthew Barney.
Es un artista multidisciplinar que se caracteriza por el estudio del cuerpo humano en sus instalaciones, performances y videos.
Su estudio del cuerpo humano está basado en el movimiento de los músculos de los atletas en situaciones de tensión así como en la exploración de los límites de la sexualidad.
Las performances de Barney se desarrollan en espacios híbridos que evocan campos de entrenamiento y laboratorios de investigación médica.

Refleja su interés por la anatomía representando seres inexistentes.

Su trabajo está influido por el arte barroco y las instalaciones de videos que incluyen imágenes que se contraponen en significado y que,

con interiores cargados de decorados complejos, motocicletas y actuaciones en vivo, sobrecogen al espectador.

The Cremaster Cycle

Su obra más conocida es el ciclo "Cremaster", que desarrolló entre 1994 y 2002. "Cremaster" es un proyecto fílmico dividido en cinco partes grabadas en desorden que se acompaña de esculturas, fotografías y dibujos. El título hace referencia al cremáster, el músculo que sostiene a los testículos y hace que éstos se muevan hacia arriba y hacia abajo según los cambios de

temperatura, la estimulación externa o el miedo.

En los films que integran a Cremaster, Barney muestra el enfrentamiento del hombre con su sexualidad y para ello hace uso de metáforas y analogías fantásticas.

CAMINO A LA TRANSPOSICIÓN

Estas imagenes fueron los primeros intentos, la idea de comenzar dentro de un laboratorio , por el cual se va a ver el nacimiento de un ser , en un frasco y luego seguir con ese pasillo totalmente blanco , q nos conduce a una habitacion amplia en la cual se produce una unión e interacción en el tiempo entre los personajes.
Se mantuvo, pero todo proyecto no se pudo seguir como teniamos en mente, dado que es muy complicado el movimiento de personajes y demas, así que decidimos plantear los escenarios otra vez de esta herramienta, y los seres que son los protagonistas los vamos a filmar con chroma para luego poder aplicarlos a los escenarios, lo cual nos dijieron que era lo más complicado que quede bien.

Estas imágenes todavía no tienen una estética definida; si bien pensamos en mantener una línea pura donde el blanco predomine, aca se ven solamente lo q es la parte de moldes.

Nos inspiramos en estas fotografías para el armado de cúpulas, personajes y ambientaciones.

Más de Infraestructuras:

Aquí el resultado del proyecto final. Se trabajó arduamente con los programas de animación y el chroma, aunque aún falta mucho camino por recorrer. Lo que se buscó siempre fue innovar y superar nuestras capacidades, sorprender, buscar una vía distinta para expresarse. Y quedamos (a pesar de nuestros primeros pasos) satisfechas con el resultado. Aquí "The Final Experience" materializado.

Mescolé de Artistas (lado B)

2009-12-02T21:58:00.000-08:00

Jim Jarmusch

Leni Riefenstahl

Alejandro Jodorowsky

Dziga Vertov

Oskar Fischinger

Grete Stern

Nan Goldin

Robert Frank

Marcos López

Weegee

Diane Arbus

László Molí – Nagy

Alexander Rodchenko

Man Ray

Dan Flavin

Sol Lewitt Le Corbusier

Jeff Koons

Nam June Paik

Thierry De Mey

Armando Bo

Edward Munch

Hayao Miyazaki

Turner

Hokusai

Goya

Erik satie

Claude Debussy

Philip – Lorca diCorcia

Mescolé de Artistas (lado A)

2009-12-02T15:34:00.000-08:00

Richard Wagner

Steve Reich

Gustav Mahler

John Cage

Bela Bartok

Kraftwerk

Raymond Scott

Raymond Carver
http://www.4shared.com/file/23653902/cfe406b5/38956.html

Mario Levrero
http://rapidshare.com/files/32589930/Levrero__Mario_-_El_lugar.doc

Juan Rulfo
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Franz Kafka
http://rs104.rapidshare.com/files/32567098/Kafka__Franz_-_Ser_infeliz.doc

J. D. Salinger
http://rapidshare.com/files/32726547/Salinger_Jerome__David_-_El_Guardian_Entre_el_Centeno.doc

James Graham Ballard

http://www.4shared.com/file/19068986/6c570ec5/Ballard_J_G_-_El_Mundo_Sumergido.html?s=1

Margarit Duras
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Lewis Carrol
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Charles Bukovsky
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Julio Verne
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H. G. Wells
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Mark Twain
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Aldous Huxley
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Stephen King
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Sade
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Cervantes
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Dante
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Camus
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Aghata Christie
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Roy Lichtenstein

Paul Klee

Rembrandt

Johannes Vermeer

Cezanne

Pablo Picasso

Antonio Berni

Edward Hooper

Guillermo Kuitca

Francis Bacon

Marcel Duchamp

David Cronenberg

Entrega Final TP3: "La Cosa"

2009-07-12T17:41:00.000-07:00

Aquí la entrega final de "Situación". Personalmente fue un trabajo que disfruté mucho hacerlo, desde la idea, hasta trabajar con Graciela y Tano, que facilitaron aún más el desarrollo del mismo. Quizás daba para más, lo reconozco. Los finales siempre suelen ser los más complicados tanto en un corto como largometraje; de todos modos no quise darle una tónica similar al expresionismo alemán, ya que se intentó trabajar sobre esa veta tragicómica. Lo que sí aprendí muchísimo y en este corto es alevoso son los saltos de eje. No se tuvo en cuenta para nada el trazo de ejes. Y el resultado fue ese, desprolijidad técnica y muchos cortes de planos. Quedé satisfecha con la iluminación. En fin...seguimos actualizando y aprendiendo en este largo y pedregoso camino.

Referencias TP 3: "La Cosa"

2009-07-09T17:04:00.000-07:00

Nosferatu

Metropolis

Gabinete del Doctor Calligari

El último

La tiendita del horror

TP 3: "La Cosa" Pre-entrega

2009-07-06T09:44:00.000-07:00

Para la pre-entrega tuvimos en cuenta la ambientación de la locación en donde se rodó la filmación, la caracterización de los personajes evocando al cine mudo a través de mímicas y gestualizaciones, y maquillaje para resaltar los rasgos de los personajes. La iluminación utilizada fue en penumbras con reflector para lograr alto contraste y la música fue modificada. De todos modos reconocemos que debemos trabajar más el sonido, aún hay deficiencias en cuanto a tratamiento. No hubo tiempo para la pre-entrega así como tampoco hubo tiempo para realizar las placas a mano con tiza. Se dejó al final un suspenso que no existía en el anterior video pero se puede trabajar un poco más. En líneas generales quedamos más conformes, habiendo logrado al menos algo de lo que nos propusieron el jueves pasado.

TP 3: "La Cosa" 1º aproximación

2009-07-06T09:18:00.000-07:00

He aquí nuestro primer intento fallido de aproximación frente a una situación tragicómica dada por el dentista despistado pero sanguinario a la vez, y su paciente sumisa y retraída. En la corrección que tuvimos tanto con Gabriel como con Diego y Carla, se nos remarcó que no había una relación entre el sonido y la imagen y que busquemos dos alternativas: o que haya un sonido diegético o que el dentista reproduzca él mismo la canción. Otras cosas que nos remarcaron fue tener en cuenta y enfocar los planos de la paciente, ya que es el elemento clave en cuestión. Las placas debían estar fijas, ya que son placas, ambientalizar mejor el lugar de filmación y cambiar la tipografía.

Expo "Espacios urbanos" PROA (parte II)

2009-07-06T04:15:00.000-07:00

Candida Höfer

Candida Höfer (Eberwalde, Alemania, 1944), una de las figuras más representativas de la fotografía alemana, está centrada desde hace tres décadas en la realización de un extenso cuerpo de imágenes sobre interiores de edificios, preferentemente de uso público o semipúblico. Son fotografías de bibliotecas, museos, iglesias, archivos, palacios o bancos, realizadas cuando ha cesado toda actividad y se encuentran vacíos.

Su método de trabajo, que ofrece una enorme continuidad a lo largo del tiempo, es de un gran rigor formal, tanto en la composición como en el tratamiento de la luz. La aparente austeridad de sus imágenes encierra una compleja lectura de la arquitectura en relación con sus usos y funciones actuales, así como una reflexión sobre la historia de la cultura a la que están estrechamente ligados los espacios que fotografía.

Thomas Ruff

Fotógrafo alemán. Entre 1977 y 1985 estudia en la Academia de Arte de Dusseldorf. La fotografía de Ruff se caracteriza por su persistente experimentación en torno a las propiedades del medio. Se aleja de la fotografía documental pues es consciente de que la fotografía sólo puede alcanzar la superficie de las cosas. Por ello presta especial atención a la manipulación de esa imagen ya obtenida, es decir a la postproducción.

Su relación con la arquitectura se inicia a raíz de sus trabajos con fotografías de viviendas sociales alemanas durante la década de los ochenta. En 1992 comienza a colaborar con el estudio de arquitectura de Herzog y Meuron, fotografiando sus edificios y estudiando su interacción con el entorno. Sus imágenes arquitectónicas de carácter serial, formato monumental y extrema precisión ya son parte del legado visual de los años ochenta, pero además cultiva otros géneros como el interior, el retrato, el desnudo etc., manipulando por medio de ordenador las escalas de color, el contraste y la definición.

Expo "Espacios urbanos" PROA (parte I)

2009-06-22T06:07:00.001-07:00

Apreciación Personal

La muestra consistió en presentar a cinco fotógrafos alemanes pertenecientes a la escuela de Düsseldorf. Entre ellos Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer, Thomas Ruff y Axel Hütte. Con respecto a la fotografía de Hütte, observé que trabaja con la arquitectura de diferente manera y hace encuadres más acotados para componer la imagen. Me pareció interesante su mirada, destacándose un elemento fuerte entre sus composiciones como la luz. Me impactó su técnica de revelado para resaltar el juego de luces a través de la filmina y otras planchas que hace que la luz rebote. Thomas Ruff, uno de mis predilectos, noté que se centraba en los detalles saliéndose de los esquemas. Su arte es un poco más conceptual que el del resto. Entre sus obras había un collage de Helmut Kohl (canciller alemán) ironizado por él, presentando una técnica de implementación de acrílicos. También otra de sus obras presentaba fotomontaje con impresión de serigrafía. Debo reconocer que me decepcionó un poco al enterarme de que uno de sus trabajos fue bajado de internet y lo que me decepcionó aún más fue el tratamiento que le hizo a esa imagen, abusándose de ella a través del pixelado. Por lo que observé, a Candida Hofer le gusta trabajar en interiores y siempre con perspectiva centralizada. Hay un punto de fuga central en todas sus obras. Candida se conecta con la cultura y arquitectura a la hora de pensar sus tomas. Le interesa unificar esos dos elementos claves en su avatar. Un detalle: en el 2006 fue la única vez que incluyó gente en sus fotos. Andreas Gursky, al contemplar su colección, noté que empalma su composición a través de una vista aérea, llevándolo todo a una escala maqueta-escala huamana e inmensidad de escala. Hay un sentido estricto de monumentalidad. Trabaja con el inconsciente óptico el cual la cámara con detalles lo hace posible. Asimismo, cualquiera se habrá dado cuenta de que trabaja con retoque digital y que hace muchas tomas juntas componiendo una misma imagen, con o sin perspectiva rebatida. Con respeto a Thomas Struth, decide mostrar un no lugar entre sus trabajos, concentrándose en la escenografía de un hotel en Las Vegas, por ejemplo. Esta obra contiene una escala alta y arquitectura tipo maqueta. Para mí, Struth posee esa fotografía documentalista que genera en el espectador un efecto revelador, ya que le interesaba retratar el avance de las nuevas ciudades (Shangai o Hong Kong) por sobre la gente, en pleno proceso de construcción; hoy en día esas ciudades se han convertido en centros mundiales de consumo masivo con arquitectura predominante y ya nada se asemeja con aquellas imagenes que Struth tomó décadas atrás.

Andreas Gursky

Produce en grande. El color que implementa en las fotografías son un distintivo para su mirada incisiva y crítica en el efecto del capitalismo y de la globalización sobre vida contemporánea. Gursky estudió bajo el ala de Bernd y de Hilla Becher en Düsseldorf Kunstakademie a principios de los 80 y adoptó un estilo y un método que seguían de cerca el acercamiento sistemático de Becher en la fotografía, creando impresiones pequeñas, blancos y negros. A principios de los 80, sin embargo, rompió de esta tradición, usando la película de color y la observación espontánea para hacer una serie de imágenes de la gente en estado ocioso, tal como caminantes, nadadores y esquiadores, representados como protagonistas minúsculos en un paisaje extenso.

Desde los años 90, Gursky se ha enfocado en los sitios del comercio y del turismo, haciendo el trabajo que dibuja la atención en la industria de alta tecnología y en los mercados globales. Sus imágenes se extienden sobre la arquitectura de los pasillos modernos del un hotel, de las construcciones de viviendas y de los extensos supermercados, anónimos en sitios como "la bolsa" y los "parlamentos" como así también en campos alejados de Shangai, Brasília, Los Angeles y Hong Kong. Aunque su trabajo adopte la escala y la composición de las pinturas de paisajes históricos, sus fotografías se derivan a menudo de fuentes desfavorables: una fotografía ByN en un periódico, por ejemplo, que se investiga largamente antes de que la fotografía final se tire y se altere a digital.

Thomas Struth

Thomas estudió en la academia de Düsseldorf a partir de 1973 hasta 1980 donde luego estudió pintura con Peter Kleemann y Gerhard Richter antes de establecer su estudio de fotografía de la mano de Bernhard Becher. Posteriormente ganó una beca para trabajar en P.S. 1 en Nueva York en el año `78. Sus primeras obras consistieron en gran parte en fotografías blanco y negro de las calles de Japón, Europa y América. Los rascacielos son otra característica preferida de su trabajo, con muchas de sus fotografías que intentan mostrar la relación que tiene la gente con el ambiente moderno. A mediados de los años 80 Struth añadió una nueva dimensión a su trabajo cuando comienza a producir retratos de familia. Como consecuencia, estos trabajos intentan aparentemente mostrar la dinámica social subyacente dentro de una fotografía.

A partir de los 90, Struth opta por el color. Por el objetivo de su cámara han desfilado ciudades como Nápoles, Nueva York, Sao Paulo, Venecia, París, Chicago o Düsseldorf, así como numerosos rincones de China y Japón. Sus fotografías, eminentemente nada espectaculares y ausentes de retórica, se inclinan por los lugares anónimos y marginales, en los que la ciudad se manifiesta con todo su sabor. La calle, marcada por el diálogo con la historia, la arquitectura y los signos del mundo moderno, es uno de sus escenarios predilectos, aunque también realiza retratos, paisajes o escenas de interiores.

Axel Hütte

Fotógrafo alemán, pertenece a la generación de artistas formados bajo la tutela de Becher. Proveniente de la Academia de Düsseldorf, Hütte tiene un dominio técnico que le permitió conseguir efectos panorámicos, sin subestimar el rigor de la composición. La imagen sobresale por su tamaño imponente y simplicidad majestuosa. Sus fotografías se caracterizan por presentarse como un canto al viaje a modo de documento, en las que nos muestra su gusto por un único color y su interés por el detalle, por el pictoricismo de lo extraordinario, todo ello combinado a través de una excelente resolución técnica que recuerda a los paisajes decimonónicos del realismo.

Interesado en objetos de arquitectura industrial (estaciones de metro, bloques de apartamentos, etc.), sobretodo en aquellos situados en suburbios deshabitados, sus fotografías se nos presentan como retratos al describir el modo en el que la gente vive en ellos, sin ser éstos presentados. Incluso la ausencia de gente parece jugar un papel predominante. Con el tiempo ha desarrollado su gusto por el paisaje, llegando a convertirlo en tema principal de su obra. En la naturaleza descubre la geometría: diagonales, ejes, que contribuyen a la creación de una composición calibrada y pensada.

Debate sobre la Ley de Medios Audiovisuales

2009-06-18T05:47:00.000-07:00

Creo que todos nosotros estamos en una actitud un poco cómoda. Hasta que no nos toquen lo que más nos duele no vamos a hacer nada al respecto. El mundo sigue girando; nosotros estamos dentro de él, y aún así caminamos con una actitud pasiva frente a problemas y situaciones cada vez más desbordantes. "Hay que empezar a mirar de nuevo, sacar esa ley nefasta y redistribuir la frecuencia de manera plural y equitativa" dice el coordinador Rodolfo Hermida. Es inadmisible que se escuche UNA sola voz. Es preciso asumir que no hay respuestas a corto plazo. El estado actual de los medios es una construcción de décadas, es algo que dice al respeto el estado cultural de la sociedad. No hay ninguna ley mágica. Son grandes construcciones sociales y políticas. Son evoluciones culturales muy lentas. Los medios que tenemos también son síntomas de la sociedad que somos. Aunque muchas organizaciones sociales puedan tener radios a partir de la nueva ley, eso no va a cambiar la situación de los medios de la noche a la mañana. La batalla no se agota en la disputa medios/contramedios, sino que se trata de una construcción mayor. Para finalizar, pienso que los medios son protagonistas y corresponsales directos de los procesos políticos y sociales que vivimos. Influyen en lo político, en lo económico y en lo social. Por ende, vivimos en una sociedad muy mediatizada, o sea, en una sociedad que transporta los debates políticos y sociales a los medios. Por lo tanto, el sistema de medios (en mi opinión personal) debería tener un peso, una relevancia y una carga de responsabilidad a la hora de transmitir la información.

Entrega Final TP2: "El Otro" + Reflexión

2009-06-06T05:49:00.000-07:00

En cuanto a la entrega final, traté de modificar algunas imagenes que no aportaban al trabajo. Intenté recrear con nuevas tomas la situación de poder de ella para con sus súbditos. La protagonista principal siempre es ella; todo gira en torno a esa mujer. Ellos sólo responden a su deseos y satisfacción personal. A su vez se abrió una puerta para jugar con la imaginación del espectador en el momento en que detrás de esas máscaras solo había vacío...se puede interpretar como que nunca interactuó ella con esos cuerpos. Sino que fue producto de su capricho lujurioso. Al terminar el trabajo, quedé bastante conforme con el resultado. Era lo que tenía en mente y pude plasmarlo en imagenes con un sonido acorde, quería generar "algo" a través de él. Es un sonido denso que se va distorsionando con el correr del tiempo, y su mente también acompaña este proceso. El clima recreado de suspenso e intriga lo hace aún más intenso. La producción también fue pensada e ideada para lograr una estética más heavy...entre la inocencia de los sometidos y la sofisticación de la que somete. Hay una sola cosa de la que no estoy conforme y es con los cambios de iluminación y técnica fotográfica implementada. Eso es algo que intentaré mejorar de aquí en más.

Referencias de Lujuria II

2009-05-30T18:25:00.000-07:00

LARRY CLARK

DAVID LA CHAPELLE

FLORIA SIGISMONDI

ROBERT MAPPLETHORPE

Referencias de Lujuria I

2009-05-30T17:17:00.000-07:00

BOB CLARKE

ELMER BATTER

ELLEN VON UNWERTH

HELMUT NEWTON

Pre-entrega TP2: El Otro

2009-05-29T19:33:00.000-07:00

En el video quise seguir con la temática de la lujuria, quizás llevada a un nivel más agresivo visualmente por la estética sadomasoquista, las correas, los dominados que son esos niños con cuerpos frágiles y dóciles que se dejan llevar por su dominatriz. La cadena en sí es un simbolismo por el cual ella siente que desea tener a sus súbditos bajo su ala a todo momento, y cuando ella lo dispone. Quizás no se entendió bien quién domina a quién...y también quise jugar un poco con el subconsciente de cada uno, es decir, que no haya una estructura establecida de cómo se debe leer. De todos modos sigo sosteniendo que todo gira en torno a ella...y para la entrega final voy a tratar de explicitar más algunas imagenes que ponderan su hedonismo y poder.
Obviamente acepto todo tipo de sugerencias, comentarios, críticas y todo lo que se asemeje a eso.

Primera aproximación visual

2009-05-29T18:13:00.000-07:00

TP 2: "EL OTRO"

2009-05-24T11:36:00.000-07:00

Luego del intento fracasado que tuve con mi ex compañera, encaro otra visión del proyecto con Pía. El tiempo me juega en contra, lo reconozco. Y también reconozco que cuando uno venía siguiendo una temática y estaba tan vinculado con las ideas personales para llevar a cabo la idea, de pronto surgen imprevistos lo cual exigen volver a empezar desde el grado cero, resultando complejo. O al menos para mí. Me parecía injusto continuar el proceso con mi nueva compañera, ya que se merece otro espacio sumado a nuevas tácticas para el abordaje posterior.
Recomenzando con el diagrama de trabajo, voy a dar a conocer el cuestionario que le hice a Pía con el cual tuve una aproximación un poco más cercana.

CUESTIONARIO A PÍA X SOFÍA

-Con qué pecado capital te identificás más?

-Pía: Lujuria, sin lugar a dudas…más que nada este último año. Estoy con la mente un poco enferma por estos tiempos. Leí un libro muy depravado que aumentó estos pensamientos en mí (El marqués de Sade).

-A qué le temés? Cuáles son tus miedos y fobias?

-Pía: le tengo muchísimo terror a los sapos. Me asustan mucho los ruidos fuertes y la gente que eleva mucho su tono de voz.

-Cómo te sentís con tu cuerpo: cómoda o incómoda?

-Pía: ahora cómoda. Bajé un poco de peso y estoy re bien con mi cuerpo.

- Un sueño que te perturbe? o que te quite el sueño?

-Pía: hay una sola cosa que me quita el sueño muy a menudo y es el pensar que un día me van a faltar mis abuelas. Eso me mata; me angustia muchísimo. También extraño mucho a mi familia. Yo soy de Olavarría y estoy viviendo en una pensión en caballito.

-Sos de hablar con los demás o te retrotraes?

-Pía: hablo...lo que me cuesta es empezar una conversación con alguien que no conozco, pero basta con que me diga “hola como estás” y arranco.

-Alegre, depresiva o cilotímica?

-Pía: soy alegre; cuando estoy mal suelo apartarme...pero por lo general soy alegre.

-Te gustaría ser otra persona? Y de ser así quién?

-Pía: no, me gustaría ser otra persona…en realidad alguna que otra vez se te pasan esas cosas por la cabeza pero pensándolo fríamente me gusta ser quién soy.

Haciendo una recapitulación acerca de lo que confesó Pía, la imaginé como a una chica libertina, cómoda con su cuerpo y que disfruta de los placeres de la vida sin culpas.

PÍA EN 5 ADJETIVOS:

LIBERAL
AFABLE
NERVIOSA
SENSIBLE
LUJURIOSA

Retrato Familiar

2009-05-16T04:07:00.000-07:00

Mamá y Papá, La Plata 1981.

Retrato de un ser querido

2009-05-16T03:44:00.000-07:00

Tía Patricia, primavera del ´76.

"Playas" by Martin Parr

2009-05-16T01:47:00.000-07:00

Martin Parr critica con humor y colores vibrantes nuestras costumbres actuales. Al ver la muestra, uno puede reconocer claramente a cuál país pertenecen. Ya que por ejemplo, las fotos que fueron tomadas en las playas de Copacabana-Rio de Janeiro, las mujeres salen con diminutas bikinis y los hombres con zungas. Además el bronceado de sus cuerpos (convengamos que el clima tropical influye) es un distintivo indiscutible. Los arcos de fútbol y las redes para jugar beach-volley también los distingue, ya que los cariocas le dan mucha trascendencia al deporte y la vida al aire libre.

Otras playas en las que Parr pone su ojo voyeurista son las de Chile. Observé que los chilenos son más recatados a la hora de enfundarse en sus trajes de baño. Tienen un espíritu más familiero, y el ir a la playa para ellos es todo un acontecimiento.

Al ver las playas de Uruguay, sinceramente me costó adivinarlas. Quizás uno tiene el prejuicio de que en Punta del Este la gente no toma mate ni come, ni tiene una postura tan despreocupada y que sólo les importa el look playero y las ondas del verano. Parr una vez más nos sorprende y nos dice que todas las personas cuando van a la playa sólo buscan una cosa: "distenderse". También había algunas señoras adictas al cholulaje leyendo la revista Caras. Esta revista en Uruguay por lo visto se vende mucho, gracias a la globalización de la información, la cual permite que uno estando en otro sitio se sienta como en su casa.

Por último, y no menos importante señoras y señores: nuestras playas!!!...claramente identificables por: - la mugre, los perros que siempre se ganan el protagonismo, el banana tarjetero nunca falta, las señoras con el mate y sus facturas y muchísimas cosas que Parr prefiere obviar e ir directamente a lo principal de cada cultura.

A modo de síntesis, la muestra de Parr me pareció ingeniosa ya que, opta por una opción desdramatizada el abordaje de la cultura de los principales países latinoamericanos. A Parr lo adopté como el mayor maestro de la fotografía urbana. Tiene un gran poder de experimentación y de fotografía de calle, y aún cree que el observar es capaz de superar megapixeles y photoshops. Hay espacio para todo el mundo gente, lo importante es tener el diferencial.

Retrato Literario: "Alguien voló sobre el nido del Cuco"

2009-05-14T22:48:00.001-07:00

"(...) Parece todo un hombre. Le oigo avanzar por el pasillo y por sus pisadas parece todo un hombre, y desde luego no se arrastra; lleva chapas de hierro en los tacones y los hace rechinar sobre el piso como si fueran herraduras. Lleva pantalones y camisa camperos, tan desteñidos por el sol que han quedado del color de la leche aguada. Tiene la cara y el cuello y los brazos curtidos de tanto trabajar en los campos. Se cubre el pelo con una gorra de motorista que antaño fuera negra y lleva una chaqueta de cuero colgada del brazo, y usa unas botas grises y polvorientas y tan pesadas que podrían partir a un hombre en dos. Aparece en la puerta, se detiene, se mete los pulgares en los bolsillos, y, con las botas muy separadas, se queda allí, de pie, con todas las miradas fijas en él.
-Hola, amigos.
Sobre su cabeza pende de un hilo un murciélago de papel, de esos que se cuelgan la víspera de Todos los Santos; alarga el brazo y le da un golpecito que lo hace girar.
-Bonito día.
Habla como solía hacerlo Papá, con voz fuerte y llena de encono, pero no tiene el mismo aspecto que Papá; papá era de pura raza india —un jefe— y duro y reluciente como la caja de un fusil. Este tipo es pelirrojo con largas patillas rojas y una masa de rizos que asoman bajo su gorra, debería haberse cortado el pelo hace tiempo, y es tan ancho como alto era Papá, tiene una ancha mandíbula y también son anchos sus hombros y su pecho, luce una ancha y blanca sonrisa diabólica, y su dureza no es como la de Papá, resulta duro en el mismo sentido en que es dura una pelota de béisbol bajo el cuero rasposo. Una cicatriz le cruza la nariz y una mejilla, alguien debió darle un buen puñetazo en una riña, y todavía lleva los puntos en la herida. Sigue ahí de pie, esperando, y cuando nadie da señales de querer decirle nada se pone a reír. Nadie sabría decir exactamente por qué se ríe; no ha ocurrido nada divertido. Pero no se ríe de la misma manera que el de Relaciones Públicas, su risa es espontánea y sonora y brota de su ancha boca abierta y se va extendiendo en anillos cada vez más amplios hasta estrellarse contra todas las paredes de la galería. No es como la risa de ese gordo de Relaciones Públicas. Es una risa genuina. De pronto me doy cuenta de que es la primera risa que oigo en muchos años.
Sigue ahí, de pie, nos mira, se balancea sobre sus botas y ríe y ríe. Entrelaza los dedos sobre el vientre, sin sacar los pulgares de los bolsillos. Y puedo ver cuan grandes y rugosas son sus manos. Tenía manchas de carbón bajo las uñas, señal de su antiguo empleo en un garaje; tenía tatuada un ancla encima de los nudillos; en el del medio llevaba una tirita sucia que comenzaba a deshilacharse por los bordes. Los nudillos restantes estaban cubiertos de cortes y de cicatrices, antiguas y recientes. Recuerdo que, de tanto manejar los mangos de madera de hachas y de azadas, tenía la palma lisa y dura como un hueso, no era la mano que uno imaginaba repartiendo cartas. Tenía la palma callosa y las callosidades se habían resquebrajado y las hendiduras estaban llenas de mugre. Todos los de la galería, pacientes, personal y demás, todos, se han quedado anonadados con su presencia y su risa. Nadie hace un gesto para interrumpirle, nadie dice nada. Sigue riendo hasta que no puede más y entra en la sala de estar. Incluso cuando no se ríe, la risa sigue flotando a su alrededor, como flota el sonido de una gran campana que acaba de tañer en aquel momento; la risa está en sus ojos, en su forma de sonreír y de fanfarronear, en su modo de hablar (...)".

Este fue uno de los primeros libros que leí de chica y me marcó. Recuerdo, ya desde pequeña, sentirme atraída por todo lo relacionado con el mundo de la psiquiatría. Quizás, el gran responsable directo, fue mi padre con su profesión de psiquiatra. Un día entre sus archivos de pericias, encontré esta profecía de Kesey y recuerdo que me llamó estrepitosamente la atención la tapa y el título. Al leer el argumento supe que me atraparía. De hecho, me atrapó.

Datos del Autor

Ken Kesey nació en La Junta, Colorado, el 17 de septiembre de 1935. Perteneció a la mitificada Generación Beat. Tom Wolfe lo inmortalizó en su artículo Electric Kool-Aid Acid Test, donde se relataba el viaje que Kesey realizó con el grupo que lideraba, los Merry Pranksters, a través de EE.UU. en el año 1964, a bordo de un destartalado autobús decorado psicodélicamente, así como sus devaneos con el LSD. Fundó la comuna hippie Perry Lane. Fue miembro de la banda Grateful Dead. Pasó seis meses en la cárcel por posesión ilegal de marihuana. Los ultimos años de su vida los vivió en una granja, dedicado a la cría de animales.
En 1960 Ken Kesey, entonces estudiante universitario, se ofreció como voluntario para los experimentos sobre drogas psicodélicas LSD, peyote, mescalina, etc. que los psiquiatras de un hospital californiano ensayaban para futuros usos terapéuticos. De esta experiencia personal nació "Alguien voló sobre el nido del cuco".

Breve sinopsis para el que esté interesado en leerlo

El nido del cuco es un manicomio, en la encrucijada de los caminos, en el nudo gordiano de la civilización. Este manicomio, dirigido por una mujer, Miss Ratched, sádica encarnación del sistema, se halla bajo el imperio de la ley y el orden, mediante el pentotal y electroshock, la lobotomía y la camisa de fuerza. En este mundo manicomio, un Indio, hijo de gran jefe, degradado a la condición de barrendero del hospital sobrevive en una clandestinidad sumisa fingiendo sordera y demencia. De pronto, complicando la situación, surge Mc Murphy, el héroe norteamericano por excelencia, el gran Cowboy rubio de ojos azules, camorrista, jugador de póquer, ex combatiente de Corea, condenado por delitos comunes, y que, para salvarse de la cárcel también simula locura. McMurphy, vital, generoso, amoral y rebelde, librará desde el instante mismo de su llegada una guerra sin cuartel contra la Gran Enfermera Ratched y su sistema represivo. Las batallas serán divertidas y cruentas; algunos internos perderán en ellas la vida, y otros descubrirán los encantos del placer sexual, la bebida, la libertad y la rebelión permanentes. Es precisamente un libro sobre la locura. Los cucos no tienen nido. La humanidad ya no lo tiene.

TP 2: Retratando a Pilar

2009-05-07T17:21:00.000-07:00

Cuando conocí a Pilar me pareció que le costaba mucho abrirse a los demás. No interactuaba activamente con los miembros del grupo. Poco a poco, luego de la charla que íbamos teniendo, fue confesando algunos puntos de los cuales tomé para poder armar un perfil de ella. Por ejemplo me contó que tenía una fijación bastante recurrente a lo esotérico, a los espíritus, lo que está y no está entre nosotros, sentimiento conjuntamente compartido con su madre. No quiso ahondar mucho más en el asunto; quizás pensó que la iba a juzgar o a mirar como un bicho raro. Insití para que me siga contando, ya que me pareció una veta interesante para mostrar de ella. Ante la negativa, seguí por otro sendero y le pregunté si se sentía segura en la vida, con firmeza para sostener sus ideas y promesas en un mundo dominado básicamente por hombres. Y en esta respuesta hallé más pistas para mi trabajo. Me dijo que a ella se le hacía dificultoso el trato con el sexo opuesto. La inseguridad se había adueñado de su ser. Le costaba que la consideren como "mujer", ya que ella seguía viéndose como "niña" y este pensamiento lo trasladaba hacia los demás, creyéndose realmente que no era una mujer para ellos. Y esta forma de actuar, la retrotrae y la lleva a querer huir de todo y de todos.
Debajo, hay algunas de las imagenes que le saqué a Pilar en estado de anulación absoluta como mujer. Traté de reunir algunos tópicos con respeto a su perfil psicológico y trasladarlo a una secuencia fotográfica a ver qué salía de todo eso. Al verlas, quedaron impactantes. Al principio temí continuar con esta temática...sentí que me alejaba de los parámetros en los cuales había que moverse. Sin embargo asumo el riesgo y la manera que encontré para encarar el proyecto. Escucho opiniones y las sugerencias son más que bienvenidas.

.Pilar en 5 adjetivos.

INSEGURA
TEMEROSA
INDEFENSA
ESTRUCTURADA
SUMISA

TP 2: "RETRATO"

2009-05-07T11:47:00.000-07:00

La consigna es retratar al compañero/a que te haya tocado. Cómo? quizás esto sea lo más complicado del trabajo, ya que aquí entra en juego nuestra visión acerca de cómo vemos nosotros a esa persona en base a lo que nos ha confesado y qué estrategias utilizaremos para presentarla. Antes de adentrarme en el resultado de mi primera aproximación a Pilar, quisiera antes rescatar algunos retratos célebres.

Cecil Beaton

Lee Miller

Gabi Rona

Philip Townsend

Margaret Bourke-White

George Hurrell

Mario Testino

Steven Meisel

Acerca de la entrega final...

2009-05-07T00:43:00.000-07:00

A ver, si me hubiesen preguntado una semana antes de la entrega del primer trabajo práctico como me manejé, si cumplí con los objetivos propuestos y si estaba satisfecha con el resultado final, sin dudarlo hubiera respondido afirmativamente. Nadie me vino a preguntar luego, sino que la reformulación me la hice yo misma cuando vi centenares de espacios colgados en láminas. Lo primero que se me ocurrió pensar fue cómo no se me había ocurrido antes esa técnica o qué tonta fui en no intentar una mirada más profunda. Sin embargo no me sentí tan desorientada porque en el cbc tuve una enseñanza muy marcada con respecto al lenguaje fotográfico y a diferentes maneras de ver un espacio. En líneas generales vi buenos trabajos. Ninguno me voló la cabeza. El nivel me pareció más o menos parejo. Algunos se acercaron más a la consigna, mostrando crudezas y excarvando en lugares/problema, y otros se quedaron en texturas para describirlo.
Volviendo a mi trabajo, creo que está en un punto medio entre estos dos vértices. No enfatizé ni en la crudeza ni en la sordidez del sitio, ni tampoco utilicé texturas en la secuencia. Me limité a una presentación: "políticamente correcta".
Esto me da fuerzas para seguir creciendo a medida que continúan los trabajos prácticos y demostrarme a mí misma que puedo superarme día a día.

Maestros de la Fotografía (parte I)

2009-05-03T20:11:00.000-07:00

Lewis Hine

Lewis Hine entra en la Universidad de Chicago en 1900, estudiando Sociología, carrera que continuó en las universidades de Columbia y Nueva York. En Nueva York, Hine trabaja de profesor en la Ethical Culture School. Durante estos años, Hine valora la cámara fotográfica como instrumento para la investigación, como instrumento para comunicar sus hallazgos a investigadores lejanos a él y como instrumento para la enseñanza.En 1908, Hine mantiene sus opiniones sobre la fotografía, pero añade que la principal misión de la fotografía es el arte, los factores estéticos de la fotografía, los demás objetivos eran secundarios. A la hora de realizar fotografías (él las realizaba con fines sociológicos) se veía antes como figura artística que como científico.

Muy preocupado por el bienestar de los menos favorecidos, registró la llegada de los inmigrantes a Ellis Island, sus asentamientos en insalubres viviendas, sus trabajos en fábricas y tiendas y a sus hijos jugando en los cubos de basura. Hine comprendía la subjetividad de sus fotografías pero también creía que tenían un enorme poder de crítica, llegando a describir sus fotografías como "fotointerpretaciones".En la muestra que sigue mas abajo se nos muestra como trabajaban niños y adolescentes en diversos trabajos en el periodo de 1908 al 1912, las condiciones, como se puede apreciar no eran nada buenas, cuando miran a cámara no se les ve muy contentos que digamos, mas bien cansados y ojerosos. Hine quiere demostrar con estos documentos la explotación infantil y las condiciones de trabajo paupérrimas a las que sometían a los trabajadores y niños en las fábricas.

Ansel Easton Adams

Fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrolló el sistema de zonas. Éste, es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara incluso digital siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio. Nació como hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, cuando su madre tenía alrededor de 40 años. Creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Era muy tímido, disléxico y era bastante inteligente lo cual le causo algunos problemas dal intentar integrarse en la escuela. El tenía una gran pasión por la naturaleza. Ansel Adams estuvo interesado en el piano varios años y este le dio disciplina y estructura. Inicio la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. En 1927 apareció Albert M. Bender en su vida. Esto fue un cambio muy drástico. Él le ayudo dándole energía y seguridad. En 1930, Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Ansel Adams. Lo ayudaron a alejarse del estilo pictorialista al estilo de “straight photography”, donde la claridad del lente era lo más importante y la fotografía tenía que aparentar que no había que modificar nada en la cámara ni el cuarto oscuro.

En 1927 Ansel Adams conoció a Edward Weston y se volvieron dos amigos y compañeros muy importantes el uno para el otro. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado f/64 en 1932. Este grupo le dio una nueva visión a lo llamado “straight photography”.Fue siendo reconocido cada vez más por su energía y entusiasmo. Conoció Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, el fotografo que él admiraba. Le ayudó a hacer su primera exposición. El 6 de agosto de 1953 Adams le escribió una carta a Stieglitz diciéndole que había estado muy ocupado y de igual manera le preocupaba su estado de finanzas. Entonces, comenzó a hacer fotografía comercial. El no estaba contento porque no lo dejaba explotar su creatividad, aunque si le proporcionaba suficiente dinero para vivir. El trabajó para marcas como IBM, AT&T, National Park Service y Kodak, además de publicaciones de revistas como Life y Fortune. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.

Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Y ayudo de fotógrafo asesor para Hasselblad y Polaroid . Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la gradación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.En 1936 colaboró en organizar la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de América. A él lo que más le importaba de la naturaleza era principalmente el parque Yosemite y la preservación de los animales salvajes. Pero también luchó por otras cosas como: nuevos parques para animales salvajes, por Alaska, por los animales en peligro de extinción, aire y agua limpia, demasiados espectaculares, demasiadas carreteras.Fue criticado por no poner humanos en sus fotografías. Por ejemplo, el fotógrafo frances Henri Cartier-Bresson dijo: “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían es piedras y árboles".Algunos dicen que Adams fotografío lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario, algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares a través de sus fotografías.

Richard Misrach

Richard Misrach nace en Los Angeles, California en 1949. Es fotógrafo muy reconocido por la influencia de la perspectiva panorámica o por la presencia del hombre en sus panorámicas, y por la habilidad de colocarlo allí donde no pasa desapercibido pero no es el protagonista.
En su serie del libro "On the beach", se inspiró, según comenta, en la personas y parejas que caían o cayeron del WTC, del 11S, para reflejar bajo su visión la fragilidad ante la magnitud de los paisajes. Por otro lado se centra en la inmensidad del mar y su color.

Aquí abajo, una obra titulada "Outdoor dining", la cual fotografió en 1992 en Bonneville Salt Flats, Utah.

"Nadadores en Pyramid Lake" Reserva de Indiana , Nevada, 1987-93.

"Hombre blanco contemplando las pirámides" Egypt, 1989-91.

"Botes de Remo trenzado" Salton Sea, 1983.

Minor Martin White

Minor Martin White (1908-1976), fotógrafo, profesor, editor y crítico estadounidense. Nació en Minneapolis, Minnesota. Estudió botánica en la Universidad de Minnesota y trabajó varios años en diversas ocupaciones antes de dedicarse plenamente a la fotografía. Fue completamente autodidacta y partidario de un enfoque directo y documental en sus primeros trabajos. De 1938 a 1939 trabajó como fotógrafo para el Federal Works Progress Administration (WPA) en Oregón. Después de la II Guerra Mundial las fotografías de White empezaron a reflejar temas espirituales bajo la influencia de sus estudios sobre la Iglesia católica, el budismo Zen y el misticismo. White creía que enfocar y tomar una fotografía eran actos espirituales e intelectuales. Una imagen es capáz de expresar valores intangibles, y lo que produce al que la mira es tan importante como lo que el artista tenía en la mente.

Las fotografías de White se han mostrado en docenas de exhibiciones, tanto colectivas como individuales, y se han publicado con gran profusión. Fundó la revista Aperture como una publicación crítica sobre el arte de la fotografía. De 1952 a 1975 ejerció como editor de la misma. White escribió varios libros y de 1953 a 1957 fue editor de la revista Image publicada por el George Eastman House. En 1947 sucedió a Ansel Adams como director del departamento de fotografía del California School of Fine Arts (actualmente San Francisco Art Institute) y de 1965 a 1976 ejerció como profesor de fotografía en el Massachusetts Institute of Technology. Los textos de White destacaron la naturaleza espiritual de la fotografía como en Mirrors, Messages, Manifestations (1969).

Maestros de la Fotografía (parte II)

2009-05-03T17:58:00.000-07:00

Lucinda Devlin

Todas estas máquinas de matar protagonizan el trabajo realizado por la fotógrafa norteamericana Lucinda Devlin, 54 años -una de las profesionales más galardonadas en su país-, que entre 1991 y 1998 visitó la treintena de prisiones donde están instaladas. Fruto de este trabajo nació una exposición itinerante y un libro, The Omega Suites, en el que denuncia sutilmente el refinamiento que la boyante industria de la muerte legal ha alcanzado en Estados Unidos.

"Lo que yo opine sobre la pena de muerte no es parte de mi trabajo. Creo que las imágenes hablan por sí solas", asegura Devlin cuando la insisten sobre la eterna polémica que genera la más dura de las leyes humanas. Y sabe de lo que habla. Por algo vive en Mississippi, en el Sur, que es donde más se ejecuta. A primera vista, las fotografías parecen sacadas de un siniestro folleto para promocionar unos métodos de ejecución antisépticos, efectivos y contundentes, Made in USA, totalmente alejados de la parafernalia gótica encumbrada por la Inquisición. Como si se tratase de un catálogo de tractores o puentes móviles. Todo un paseo por la factoría más nauseabunda que existe.

Las fotos enfatizan la presencia de la máquina frente a la ausencia deliberada de protagonistas humanos. No hay ojos, ni miradas, ni muecas. La luz está muy cuidada, los colores muy contrastados, no hay enfoque periodístico, no hay movimiento, no hay vida... Sólo unos escenarios inmaculados y silenciosos que emanan un aura indetectable de muerte que inquietan al espectador haciéndole reflexionar sobre la indescriptible dureza de los últimos momentos del ajusticiado. Es particularmente grotesca la imagen de una silla eléctrica pintada de amarillo, o la de los teléfonos antiguos esperando la llamada salvadora de última hora, o la de la cortina a punto de cerrarse sobre la cámara de ejecución. Es también patética la visión del cadalso -madera antigua, humedecida por el tiempo- en contraste con la de la camilla levantada donde el reo es atado con los brazos en cruz antes de recibir la inyección letal ya tumbado, para morir como Dios manda...

En definitiva, Devlin nos transporta a un mundo donde los sentimientos son torturados por la propia limpieza de la muerte.

Lucinda Devlin prefiere concentrar su objetivo en espacios interiores de uso público que se convierten en privados de a ratitos: habitaciones de hoteles alojamiento, camas solares, discotecas. Y logra imágenes lisérgicas, con colores a punto de estallar, de lugares que, asegura, ella no modifica ni un poquito. Lucinda viene, en realidad, trabajando desde hace más de diez años en la serie "Territorios de placer".
Ya pasaron diez años desde que Doug Hall comenzó a retratar la arquitectura y los espacios de Europa, Estados Unidos y Asia con una cámara de gran formato, cosa de lograr un registro más amplio de la "realidad objetiva". Las imágenes que fue encontrando en su paso por Japón son, cuanto menos, inquietantes: cualquier afán iluminista de triunfo sobre la naturaleza se queda corto ante, por citar una obra al azar, "Shinjuku Sur Atardecer temprano", la entrada de un shopping digno de oscuras fantasías futuristas. La desigualdad inmensa entre el pequeño mercado tradicional con vendedores aún más tradicionales y la ciudad, apenas lejana, demasiado visible, desmienten la burda idea de que allí todo es tecnología y buen pasar. Porque sí, están los que disfrutan de un día ocioso seguro en la playa artificial (piso de plástico, olas simuladas, ¡reposeras numeradas y en hilera, como en el teatro!), pero también los que viven en chozas que flotan sobre balsas por ríos poco elegantes.

Ray Metzker

Maestro de la oscuridad y de los paisajes urbanos, Ray Metzker transformó con su obra en los años ‘60 la fotografía en blanco y negro. Nacido en Milwaukee, Wisconsin, en 1931, tuvo su primera cámara a los 12, prestó servicio en la guerra de Corea y a su regreso estudió en el Instituto de Diseño de Chicago con Harry Callahan y Aaron Siskind. Hacia 1962 ya se dedicaba a la docencia –que ejerció en Filadelfia, en Nuevo México y en Chicago–, y desde aquella época hasta mediados de los ‘80 centró su obra en imágenes urbanas y texturas experimentales a las que él mismo dio en llamar “Pictus”: “El objeto está cerca, así que atrae mi atención, pero se encuentra fuera de foco, por lo tanto me repele”.

Algunos críticos definen su estilo, su marca, como un juego entre la abstracción y la representación expresado en sus figuras sumergidas en sombras profundas y atravesadas por haces de luz y un patrón geométrico que convertiría cada escena en un brillante paisaje cubista. A lo largo de los últimos veinte años realizó varias series fotográficas en exteriores de Carolina del Norte, Kentucky, Utah y nuevamente en Filadelfia, instalándose por largos períodos en cada lugar.

Larry Sultan

Nace en 1946, en Nueva York. Es profesor del California College of Art; explora críticamente las ideas que se tienen sobre la vida y el trabajo en los suburbios cercanos a Hollywood. Aquel resulta ser el lugar donde se produce y filma el 80% de las películas pornográficas de los EUA. Las tomas para The Valley se hicieron entre 1998 y 2003 en una centena de distintas locaciones para películas de la industria del entretenimiento para adultos. Es una mirada al sesgo en el Valle de San Fernando, no lejos de los grandes estudios, proximidad que explica la fisonomía y bondades anatómicas del “talento” actoral. Sin embargo, aquí no hay grandes sets que copien universos exóticos, aquí se trata de hacer realidad la fantasía donde ésta se genera: en los hogares de clase media reconocibles por el mercado como “su” contexto. Donde la apuesta de la pornografía es por la inmediatez y la transparencia en el mensaje, Sultan compone imágenes misteriosas cuyo trasfondo pareciera hablar de muchos otros temas excepto aquél que resulta obvio. Agrega a este halo peculiar de la obra del californiano el hecho de que sabiendo que se trata de fotografías sobre la puesta en escena y ocurriendo durante la filmación de películas ‘porno’, ahí no hay genitalia expuesta. Las suyas son fotografías preciosistas que invitan a la contemplación, no surten el efecto que el porno supone, y evalúan de manera crítica qué entiende el norteamericano promedio por familia, hogar, decencia, etc.

The Valley (1998-2003)

Practicing Golf Swing (1988)

Picures from home (2002)

Set of Seduction (2000)

Sultan se pregunta si de verdad la sociedad moderna crea familias idénticas en casas genéricas, o si los dramas unidimensionales que nos imaginamos no son tan banales y aburridos como un día más en la locación de una película XXX. Lo que hay en esas fotos es el sueño americano expuesto como farsa y contemplación desensibilizada por el consumo, el aburrimiento y el cansancio. En estas fotos vemos un documental sobre el género del “Hardcore action” pero no hay genitalia representada...

Entrega Final

2009-04-26T21:18:00.000-07:00

Finalmente esas son las 7 fotografías elegidas para la entrega final. Quedé satisfecha con el resultado que obtuve. La anacronía del espacio vislumbra un lugar atemporal en donde uno puede jugar con el inconsciente y pensar que ahí mismo podría haber dado un discurso político Mussolini, o podría haberse presenciado un ballet en el Coliseo Romano. El tipo de encuadre logrado, el tono escogido para darle realce y la arquitectura neoclásica del lugar hablan por sí solos.

2009-04-26T21:09:00.000-07:00

Neoclasicismo

2009-04-26T17:58:00.001-07:00

El hombre transforma, destruye, crea y recrea, lo que desea. Ha deseado permanecer para la eternidad, sin embargo, esta consciente de su mortalidad, es por ello que desea dejar rastro en la historia, desea plasmar sus pensamientos, ideales y pasiones, en la materia, para que estas subsistan para la eternidad. El arte ha sido el medio por el cual el hombre ha encontrado su mayor expresión, es donde emana, fluye y se desbordan las mayores expresiones del hombre. El arte se puede comparar al corazón, el cual bombea y distribuye la sangre, al sistema arterial, esas venas que lo componen son las diversas y múltiples corrientes que el arte ha tenido a través de su historia. La energía que hace que ese corazón siga latiendo, es que el ser humano no ha dejado de pensar, imaginar y crear. Debido a lo extensas que pueden ser esas "venas", es necesario situarnos en una de estas, en el neoclasicismo. El neoclásico o neoclasicismo, es una corriente que deja ver, la seducción del hombre por el pasado, retornar a lo que ya no existe y volverlo a revivir, un eterno retorno, se convierte el pensamiento del hombre.

El neoclasicismo es literalmente el nuevo clasicismo, que se forja a partir de la segunda mitad del siglo XVIII. Lo que caracteriza a esta corriente es que es un movimiento contestatario al Barroco, es una reacción de la burguesía contra el rococó, -la reacción de la virtud contra la decadencia- y pretende simplificar, así como su pensamiento social que lo rodea que formara parte influyente, donde adopta y promueve algunas de las ideas básicas de la revolución francesa: glorifica las grandes virtudes de la antigüedad, acepta el paganismo y agrega la ciencia a la emoción.

Analicemos el primer aspecto, el barroco toma en cuenta igual todos los aspectos de simetría y proporción, que de igual fueron característicos del clásico y lo serían del neoclásico, sin embargo la diferencia no sólo radica en aspectos técnicos o estéticos, sino que esta basado en un criterio político, Bruno Zevi lo explica de esta manera: "El arte barroco es aquel que tiene intenciones propagandísticas, de persuasión oculta a la contrarreforma católica. El barroco está definido por sus formas, pero en el hay una clara inteción política; esta condición no puede faltar en su definición. Desde 1517, Martin Lutero y sus seguidores críticaron la ostentación dela iglesia, crítica que implica la reprobación del arte sacro hasta entonces existente. La reforma protestante será más iconoclasta y, como reacción global a dicha reforma y al inminente cisma, la iglesia de Roma convocará al concilio de Trento, piedra angular de la contrarreforma. Este concilio, entre otras cosas, desarrollar el culto a las imágenes con el fin de contrarrestar la iconoclastia protestante, pero sobre todo con la intención de mostrar el arte de la Iglesia triunfante." Por lo tanto, esto quiere decir que el barroco es un mensaje estético que habla del esplendor de la que se presume como la verdadera iglesia, como la única y también, la más hermosas.

Es por ello que el neoclásico, significo un movimiento que se contrapuso políticamente al barroco, que surge en contra de la aristocracia a la cual representa. Se produce una vuelta al orden propulsada por la clase media ilustrada que tenía nuevas pautas morales. En el valor normativo, la disciplina y austeridad del arte antiguo se halla el ejemplo para combatir al arte adoptado por la disoluta aristocracia.

Esto deja muy claro, que el pensamiento artístico, no depende de un carácter técnico o estético, sino que se debe observar más allá de lo que está a la vista, los sucesos, así como los pensamientos, forman parte integrante de un movimiento artístico, que de igual manera el neoclásico se vio afectado, el cual estudiaremos.

En lo que respecta a los pensadores y artistas del S XVIII, de la cultura del Iluminismo, iniciaron la reflexión sobre la decadencia de su mundo contemporáneo e investigaron y trataron de de comprender la cultura de las civilizaciones y sociedades, no sólo de otras épocas, sino también foráneas, en las que confiaban poder encontrar la pureza y moral perdidas. Roussseau se refiere al estado natural de los hombres y Montesquieu toma a Roma como ejemplo para la modernización de los sistemas políticos. La Revolución Francesa le dará un nuevo contenido al neoclásico, reafirmándolo como modelo estético pero por sobre todo como modelo ético. Este planteamiento sigue a Platón que identifica a la idea de belleza con la idea superior del bien.

Las condiciones estaban dadas para que se desarrollara el neoclasicismo, sin embargo también existieron otros factores para el desarrollo de esta corriente. "A las teorías de los pensadores ilustrados, otros hechos coincidentes en el tiempo explican la génesis y desarrollo del nuevo arte a partir de 1750. Entre ellos hay que destacar los progresos de la arquitectura, los grandes viajes de exploración arqueológica y las consiguientes publicaciones de grandes colecciones de documentos a que dieron lugar. Asimismo, otro relevante acontecimiento fue el inicio de las excavaciones que se llevaron a cabo en Herculano y Pompeya en 1738 y 1748 respectivamente, cuyos descubrimientos alcanzaron un gran eco entre los medios intelectuales y artísticos europeos".

Encontrado los antecedentes y factores que dan desarrollo al neoclasicismo, habría que concluir lo cualitativo de esta corriente para poder identificarla. El neoclasicismo no sólo adoptara los ideales antiguos, debido al desarrollo de la arqueología, intenta también reproducir las formas griegas y romanas con una precisión que los artistas del renacimiento no habían buscado. El resultado consiste en obras de arquitectura, escultura, pintura de una perfección tal que a veces parecen frías, afectando a todas las artes y el mundo. Por tanto examinemos como se desarrolla y en que manera se da en Europa y América.

Winckelmann (1717-1768), jugo un gran papel. Fue el primer esteta alemán que no es filósofo, pero que se vincula con el arte de la época, fue el primero en proponer una interpretación compositiva del arte griego, logró crear una visión de tal modo convincente de ese momento culminante de la historia del arte. A él se debe la concepción de que el arte tiene historia, es decir, desarrollo y fases propias que corresponden a los pueblos que lo producen.

Sus ideas se fundamentan en la grandiosidad del arte Griego o el arte Antiguo, por ello mantiene la necesidad de imitarlo; para Winckelmann la belleza se encuentra en Grecia por todas partes y así el artista no le queda otra opción que imitarla. El trabajo que desarrollo Winckelmann llevo a que arquitectos como Schinkel el Nuevo Palacio de la Guardia (Fig. 1).

Berlin, 1816-1818, K.F. Schinkel. Este arquitecto es uno de los más poderosos creadores alemanes, soñó con diseñar Berlin como la Atenas de la antigüedad. En general y en los primeros años del siglo XIX, el renacer griego fue más acusado de las naciones de la coalición antinapoleónica, especialmente Inglaterra y Alemania, mientras que el retorno a lo romano estuvo más identificado con el Imperio Napoleónico.

Pasando ahora a la belleza que se enlaza directamente con la proporción o la relación entre las partes, notamos que para Winckelmann la belleza se capta con los sentidos, pero se conoce y comprende por la intervención del entendimiento. Es posible reducir la belleza a ciertos conceptos fundamentales, comúnmente se define en que consiste en la armonía recíproca del ser con respecto a sus intenciones, y de las partes entre sí con respecto al todo.

Sin duda, que los nuevos hallazgos arqueológicos encontrados proporcionaron el vocabulario de la arquitectura formal clásica y los arquitectos empezaron a inclinarse por un estilo basado en modelos grecorromanos.

Otros de los arquitectos que tuvo una importancia en el desarrollo del neoclásico fue el escocés Robert Adam, que en la década de 1750 y 1760 diseñó varias casas de campo inglesas (entre las cuales destacan la casa Sion, 1762-1769 y Osterley Park 1761-1780), le convierten en el introductor del estilo neoclásico en Gran Bretaña. El estilo Adam, tal y como se le conoce, evoca el rococó por su énfasis en la ornamentación de fachadas y un refinamiento a gran escala, incluso al adoptar los motivos de la antigüedad.

En Francia, Claude Nicholas Ledoux diseñó un pabellón (1771) para la condesa du Barry en Louveciennes y una serie de puertas para la ciudad de París (1785-1789). Ambos casos ejemplifican la fase inicial de la arquitectura neoclásica francesa; sin embargo, sus obras más tardías comprendían proyectos (que nunca se llegaron a ejecutar) para una ciudad ideal en la cual los edificios quedaban reducidos, con frecuencia, a formas geométricas desornamentadas. Después de que Napoleón fuese nombrado emperador en el año 1804, sus arquitectos oficiales, Charles Percier y Pierre François Fontaine, trabajaron para llevar a cabo su deseo de transformar París en la capital más importante de Europa imitando el estilo opulento de la arquitectura imperial romana. La arquitectura de estilo imperio se ejemplifica en construcciones como el arco de triunfo del Carrousel del Louvre, diseñado por Percier y por Fontaine (Fig. 2), y los campos Elíseos, diseñados por Fontaine; ambos trabajos, iniciados en el año 1806 se encontraban lejos del espíritu de la obra visionaria de Ledoux.

Los edificios del momento se llenaron de imitaciones, en general, de los dioses antiguos, de poco valor. Los grandes personajes del momento gustaban retratarse desnudos, como antiguos atletas, con ojos sin pupila, con el fin de parecer mas griegos.

Fueron muchos los escultores que esculpieron obras en estos años, pero han sido muy pocos los que han resistido el paso del tiempo.

Canova (1753_1822) fue un escultor que trabajo para Napoleón y su familia; sus obras, fiel al ideal que preconizaba, son bellas pero inexpresivas, como si el escultor hubiera fijado en el frió mármol expresivo de los seres vivos. Sus creaciones más importantes son por el retrato de Paulina Bonaparte y un Hércules furioso.

Agustín Pajou (1730_1809) en su obra Psiquis, realizaba durante la Revolución francesa, presenta caracteres neoclásicos.

El estilo pictórico francés ha logrado una expresión neoclásica durante el reinado de Luis XVI a través de la ruptura que la Revolución Francesas impuso con el antiguo estilo rococó.

El neoclasicismo en pintura fue inaugurado por Maria José Vien (1716_1809), quien en sus obras transmite el espíritu clásico aunque en la disposición interna del cuadro respeta el ideal rococo.

Fue sin duda Jacobo Luis David, quien abandona los antiguos cánones de carácter estetizante ara construir un clasismo nuevo.

Durante la revolución francesa el pinto “el juramento en el juego de la pelota” y “la muerte de matat”. Vivió las jornadas revolucionarias adhiriéndose a la causa patriótica; después de la caída de Robespirre paso cinco meses en la cárcel, donde estructuro mentalmente el rapto de las Sabinas.

Más imagenes...

2009-04-19T16:56:00.000-07:00

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Plan B. Nuevo espacio elegido

2009-04-19T15:59:00.000-07:00

Este nuevo espacio elegido para trabajar, corresponde al Anfiteatro "Martín Fierro" situado en La Plata. Si bien difiere mucho al escogido anteriormente, en este nuevo sitio quise transitar un nivel más visual y recargado de arquitectura dentro de un estilo neoclásico que armoniza los sentidos. La idea del concepto fotográfico es ir de lo general a lo particular. Cómo pienso lograrlo? retratando el espacio desde afuera hacia adentro, retratando desde imagenes fuera del predio hasta lograr una visión más intimista, llegando a los rincones más lúgubres y al que a nadie se le ocurriría mirar en este tipo de atracción turística...

Jean Arp

2009-04-12T15:26:00.000-07:00

http://www.circulobellasartes.com/fich_libro/arch_fich_libro_26.pdf

Escultor, poeta y pintor francoalemán (1886-1966)combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Una aproximación a lo que sería, según mi visión personal, el apocalipsis...

2009-04-12T14:58:00.000-07:00

Final de la película Zabriskie Point.

Más fotos sobre mi refugio...

2009-04-12T14:39:00.001-07:00

Continúo trabajando sobre este sitio, dándole nuevos matices y diferentes enfoques. Esta vez elegí el horario matinal para retratar el lugar, ya que los entornos no se ven tan cerrados como en las otras imagenes, que fueron tomadas a altas horas de la noche.

Tríptico: "La no facultad" III

2009-04-08T22:22:00.000-07:00

Desechos orgánicos. Cloacas. Necesidades básicas. Suciedad.

Mis divagues

2009-04-06T23:59:00.000-07:00

Cuando entré en el Laberinto no podía imaginar el tamaño de las dificultades que iría a enfrentar. Sabía, sí, que serían muchas. Pero no tenía noción de sus dimensiones. Fieras enormes de garras afiladas: la inseguridad y el miedo. Los agujeros en el camino, y con ellos las tantas caídas... Los tropezones que dejaron cicatrices por todo el cuerpo, las más profundas en el ego. Vaivenes en el alma, hematomas en la piel. Todo bien, el tiempo se encargará de curar todas esas heridas... Sé que quedarán marcas, infelizmente, pero espero que ese mismo tiempo las aclare y las haga casi imperceptibles. Sólo recuerdos dolorosos que ya no deben persuadirme. Siempre tuve, aún, la seguridad del hilo que me conectaba al mundo allá fuera. Pero anduve perdiendo su punta y quedaron sin dirección aquí dentro. Traidora caverna, sus paredes me confunden. Sin saber cual rumbo tomar, ando sin destino. Sólo usted, Teseo, mi Teseo, me mantiene segura. Grito por ti y tu voz me guía. Te encuentro y consigo volver a respirar. Me cargas en tus brazos y me llevas a un refugio dentro de esa oscuridad...eres fundamental para que yo me encuentre a mí misma dentro de ese laberinto infinito. Contigo soy invencible, renuevo mis fuerzas para combatir a los enemigos. Soy capaz de juntar coraje para enfrentar al Minotauro...

Mi refugio ante la llegada del apocalipsis...

2009-04-05T20:58:00.000-07:00

Fotografías tomadas en mi ciudad natal, La Plata, más precisamente en el paseo del bosque. De pequeña solía escabullirme entre los pasadizos de estas cavernas y me imaginaba que debía protegerme de los monstruos que me perseguían. Exaltada por sus formas y abstracción, volví a vivenciar aquellos años de infancia y repetí el experimento. Mientras iba caminando, entrecerré los ojos y de repente aparecieron ante mi capacidad de asociación siluetas de animales y partes del cuerpo humano, entre otras cosas. Elegí este sitio ya que tiene mucha carga emotiva para mí. Es mi bitácora de recreación, jugar con los espacios, interactuar con ellos y a la vez, sentirme niña nuevamente. Mi cápsula del tiempo eterna...

Tríptico: "La no facultad" I

2009-04-05T19:52:00.000-07:00

Óxido. Tuberías. Hierro. Oxígeno finito e infinito. Delimitación de espacios. Recursos bioenergéticos.

Tríptico: "La no facultad" II

2009-04-01T21:18:00.000-07:00

Fotosecuencia. Temática "Un día de descompostura en la FADU".