Referencias TP 3: "La Cosa"

Nosferatu

Metropolis

Gabinete del Doctor Calligari

El último

La tiendita del horror

TP 3: "La Cosa" Pre-entrega

Para la pre-entrega tuvimos en cuenta la ambientación de la locación en donde se rodó la filmación, la caracterización de los personajes evocando al cine mudo a través de mímicas y gestualizaciones, y maquillaje para resaltar los rasgos de los personajes. La iluminación utilizada fue en penumbras con reflector para lograr alto contraste y la música fue modificada. De todos modos reconocemos que debemos trabajar más el sonido, aún hay deficiencias en cuanto a tratamiento. No hubo tiempo para la pre-entrega así como tampoco hubo tiempo para realizar las placas a mano con tiza. Se dejó al final un suspenso que no existía en el anterior video pero se puede trabajar un poco más. En líneas generales quedamos más conformes, habiendo logrado al menos algo de lo que nos propusieron el jueves pasado.

TP 3: "La Cosa" 1º aproximación

He aquí nuestro primer intento fallido de aproximación frente a una situación tragicómica dada por el dentista despistado pero sanguinario a la vez, y su paciente sumisa y retraída. En la corrección que tuvimos tanto con Gabriel como con Diego y Carla, se nos remarcó que no había una relación entre el sonido y la imagen y que busquemos dos alternativas: o que haya un sonido diegético o que el dentista reproduzca él mismo la canción. Otras cosas que nos remarcaron fue tener en cuenta y enfocar los planos de la paciente, ya que es el elemento clave en cuestión. Las placas debían estar fijas, ya que son placas, ambientalizar mejor el lugar de filmación y cambiar la tipografía.

Expo "Espacios urbanos" PROA (parte II)

Candida Höfer

Candida Höfer (Eberwalde, Alemania, 1944), una de las figuras más representativas de la fotografía alemana, está centrada desde hace tres décadas en la realización de un extenso cuerpo de imágenes sobre interiores de edificios, preferentemente de uso público o semipúblico. Son fotografías de bibliotecas, museos, iglesias, archivos, palacios o bancos, realizadas cuando ha cesado toda actividad y se encuentran vacíos.


Su método de trabajo, que ofrece una enorme continuidad a lo largo del tiempo, es de un gran rigor formal, tanto en la composición como en el tratamiento de la luz. La aparente austeridad de sus imágenes encierra una compleja lectura de la arquitectura en relación con sus usos y funciones actuales, así como una reflexión sobre la historia de la cultura a la que están estrechamente ligados los espacios que fotografía.

Thomas Ruff

Fotógrafo alemán. Entre 1977 y 1985 estudia en la Academia de Arte de Dusseldorf. La fotografía de Ruff se caracteriza por su persistente experimentación en torno a las propiedades del medio. Se aleja de la fotografía documental pues es consciente de que la fotografía sólo puede alcanzar la superficie de las cosas. Por ello presta especial atención a la manipulación de esa imagen ya obtenida, es decir a la postproducción.

Su relación con la arquitectura se inicia a raíz de sus trabajos con fotografías de viviendas sociales alemanas durante la década de los ochenta. En 1992 comienza a colaborar con el estudio de arquitectura de Herzog y Meuron, fotografiando sus edificios y estudiando su interacción con el entorno. Sus imágenes arquitectónicas de carácter serial, formato monumental y extrema precisión ya son parte del legado visual de los años ochenta, pero además cultiva otros géneros como el interior, el retrato, el desnudo etc., manipulando por medio de ordenador las escalas de color, el contraste y la definición.

Expo "Espacios urbanos" PROA (parte I)

Apreciación Personal

La muestra consistió en presentar a cinco fotógrafos alemanes pertenecientes a la escuela de Düsseldorf. Entre ellos Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer, Thomas Ruff y Axel Hütte. Con respecto a la fotografía de Hütte, observé que trabaja con la arquitectura de diferente manera y hace encuadres más acotados para componer la imagen. Me pareció interesante su mirada, destacándose un elemento fuerte entre sus composiciones como la luz. Me impactó su técnica de revelado para resaltar el juego de luces a través de la filmina y otras planchas que hace que la luz rebote. Thomas Ruff, uno de mis predilectos, noté que se centraba en los detalles saliéndose de los esquemas. Su arte es un poco más conceptual que el del resto. Entre sus obras había un collage de Helmut Kohl (canciller alemán) ironizado por él, presentando una técnica de implementación de acrílicos. También otra de sus obras presentaba fotomontaje con impresión de serigrafía. Debo reconocer que me decepcionó un poco al enterarme de que uno de sus trabajos fue bajado de internet y lo que me decepcionó aún más fue el tratamiento que le hizo a esa imagen, abusándose de ella a través del pixelado. Por lo que observé, a Candida Hofer le gusta trabajar en interiores y siempre con perspectiva centralizada. Hay un punto de fuga central en todas sus obras. Candida se conecta con la cultura y arquitectura a la hora de pensar sus tomas. Le interesa unificar esos dos elementos claves en su avatar. Un detalle: en el 2006 fue la única vez que incluyó gente en sus fotos. Andreas Gursky, al contemplar su colección, noté que empalma su composición a través de una vista aérea, llevándolo todo a una escala maqueta-escala huamana e inmensidad de escala. Hay un sentido estricto de monumentalidad. Trabaja con el inconsciente óptico el cual la cámara con detalles lo hace posible. Asimismo, cualquiera se habrá dado cuenta de que trabaja con retoque digital y que hace muchas tomas juntas componiendo una misma imagen, con o sin perspectiva rebatida. Con respeto a Thomas Struth, decide mostrar un no lugar entre sus trabajos, concentrándose en la escenografía de un hotel en Las Vegas, por ejemplo. Esta obra contiene una escala alta y arquitectura tipo maqueta. Para mí, Struth posee esa fotografía documentalista que genera en el espectador un efecto revelador, ya que le interesaba retratar el avance de las nuevas ciudades (Shangai o Hong Kong) por sobre la gente, en pleno proceso de construcción; hoy en día esas ciudades se han convertido en centros mundiales de consumo masivo con arquitectura predominante y ya nada se asemeja con aquellas imagenes que Struth tomó décadas atrás.

Andreas Gursky

Produce en grande. El color que implementa en las fotografías son un distintivo para su mirada incisiva y crítica en el efecto del capitalismo y de la globalización sobre vida contemporánea. Gursky estudió bajo el ala de Bernd y de Hilla Becher en Düsseldorf Kunstakademie a principios de los 80 y adoptó un estilo y un método que seguían de cerca el acercamiento sistemático de Becher en la fotografía, creando impresiones pequeñas, blancos y negros. A principios de los 80, sin embargo, rompió de esta tradición, usando la película de color y la observación espontánea para hacer una serie de imágenes de la gente en estado ocioso, tal como caminantes, nadadores y esquiadores, representados como protagonistas minúsculos en un paisaje extenso.


Desde los años 90, Gursky se ha enfocado en los sitios del comercio y del turismo, haciendo el trabajo que dibuja la atención en la industria de alta tecnología y en los mercados globales. Sus imágenes se extienden sobre la arquitectura de los pasillos modernos del un hotel, de las construcciones de viviendas y de los extensos supermercados, anónimos en sitios como "la bolsa" y los "parlamentos" como así también en campos alejados de Shangai, Brasília, Los Angeles y Hong Kong. Aunque su trabajo adopte la escala y la composición de las pinturas de paisajes históricos, sus fotografías se derivan a menudo de fuentes desfavorables: una fotografía ByN en un periódico, por ejemplo, que se investiga largamente antes de que la fotografía final se tire y se altere a digital.

Thomas Struth

Thomas estudió en la academia de Düsseldorf a partir de 1973 hasta 1980 donde luego estudió pintura con Peter Kleemann y Gerhard Richter antes de establecer su estudio de fotografía de la mano de Bernhard Becher. Posteriormente ganó una beca para trabajar en P.S. 1 en Nueva York en el año `78. Sus primeras obras consistieron en gran parte en fotografías blanco y negro de las calles de Japón, Europa y América. Los rascacielos son otra característica preferida de su trabajo, con muchas de sus fotografías que intentan mostrar la relación que tiene la gente con el ambiente moderno. A mediados de los años 80 Struth añadió una nueva dimensión a su trabajo cuando comienza a producir retratos de familia. Como consecuencia, estos trabajos intentan aparentemente mostrar la dinámica social subyacente dentro de una fotografía.


A partir de los 90, Struth opta por el color. Por el objetivo de su cámara han desfilado ciudades como Nápoles, Nueva York, Sao Paulo, Venecia, París, Chicago o Düsseldorf, así como numerosos rincones de China y Japón. Sus fotografías, eminentemente nada espectaculares y ausentes de retórica, se inclinan por los lugares anónimos y marginales, en los que la ciudad se manifiesta con todo su sabor. La calle, marcada por el diálogo con la historia, la arquitectura y los signos del mundo moderno, es uno de sus escenarios predilectos, aunque también realiza retratos, paisajes o escenas de interiores.

Axel Hütte

Fotógrafo alemán, pertenece a la generación de artistas formados bajo la tutela de Becher. Proveniente de la Academia de Düsseldorf, Hütte tiene un dominio técnico que le permitió conseguir efectos panorámicos, sin subestimar el rigor de la composición. La imagen sobresale por su tamaño imponente y simplicidad majestuosa. Sus fotografías se caracterizan por presentarse como un canto al viaje a modo de documento, en las que nos muestra su gusto por un único color y su interés por el detalle, por el pictoricismo de lo extraordinario, todo ello combinado a través de una excelente resolución técnica que recuerda a los paisajes decimonónicos del realismo.

Interesado en objetos de arquitectura industrial (estaciones de metro, bloques de apartamentos, etc.), sobretodo en aquellos situados en suburbios deshabitados, sus fotografías se nos presentan como retratos al describir el modo en el que la gente vive en ellos, sin ser éstos presentados. Incluso la ausencia de gente parece jugar un papel predominante. Con el tiempo ha desarrollado su gusto por el paisaje, llegando a convertirlo en tema principal de su obra. En la naturaleza descubre la geometría: diagonales, ejes, que contribuyen a la creación de una composición calibrada y pensada.

Debate sobre la Ley de Medios Audiovisuales

Creo que todos nosotros estamos en una actitud un poco cómoda. Hasta que no nos toquen lo que más nos duele no vamos a hacer nada al respecto. El mundo sigue girando; nosotros estamos dentro de él, y aún así caminamos con una actitud pasiva frente a problemas y situaciones cada vez más desbordantes. "Hay que empezar a mirar de nuevo, sacar esa ley nefasta y redistribuir la frecuencia de manera plural y equitativa" dice el coordinador Rodolfo Hermida. Es inadmisible que se escuche UNA sola voz. Es preciso asumir que no hay respuestas a corto plazo. El estado actual de los medios es una construcción de décadas, es algo que dice al respeto el estado cultural de la sociedad. No hay ninguna ley mágica. Son grandes construcciones sociales y políticas. Son evoluciones culturales muy lentas. Los medios que tenemos también son síntomas de la sociedad que somos. Aunque muchas organizaciones sociales puedan tener radios a partir de la nueva ley, eso no va a cambiar la situación de los medios de la noche a la mañana. La batalla no se agota en la disputa medios/contramedios, sino que se trata de una construcción mayor. Para finalizar, pienso que los medios son protagonistas y corresponsales directos de los procesos políticos y sociales que vivimos. Influyen en lo político, en lo económico y en lo social. Por ende, vivimos en una sociedad muy mediatizada, o sea, en una sociedad que transporta los debates políticos y sociales a los medios. Por lo tanto, el sistema de medios (en mi opinión personal) debería tener un peso, una relevancia y una carga de responsabilidad a la hora de transmitir la información.

Entrega Final TP2: "El Otro" + Reflexión

En cuanto a la entrega final, traté de modificar algunas imagenes que no aportaban al trabajo. Intenté recrear con nuevas tomas la situación de poder de ella para con sus súbditos. La protagonista principal siempre es ella; todo gira en torno a esa mujer. Ellos sólo responden a su deseos y satisfacción personal. A su vez se abrió una puerta para jugar con la imaginación del espectador en el momento en que detrás de esas máscaras solo había vacío...se puede interpretar como que nunca interactuó ella con esos cuerpos. Sino que fue producto de su capricho lujurioso. Al terminar el trabajo, quedé bastante conforme con el resultado. Era lo que tenía en mente y pude plasmarlo en imagenes con un sonido acorde, quería generar "algo" a través de él. Es un sonido denso que se va distorsionando con el correr del tiempo, y su mente también acompaña este proceso. El clima recreado de suspenso e intriga lo hace aún más intenso. La producción también fue pensada e ideada para lograr una estética más heavy...entre la inocencia de los sometidos y la sofisticación de la que somete. Hay una sola cosa de la que no estoy conforme y es con los cambios de iluminación y técnica fotográfica implementada. Eso es algo que intentaré mejorar de aquí en más.